Review : The Son and the Sea - portrait de la masculinité

The Son and the Sea a été présenté cet été dans le cadre de la série "On the Road" du Chicago International Film Festival, qui propose des projections gratuites chaque mercredi et samedi d'août. Ce long métrage britannique raconte l'escapade de deux amis londoniens qui sautent dans un train sans billet pour rejoindre un petit village écossais. Le décor est posé : pas de road trip glamour, pas d'aventure spectaculaire. Juste deux jeunes hommes qui fuient, momentanément, le poids de leur quotidien.

Ce qui rend ce film immédiatement singulier, c'est son origine familiale. La mère et la fille, Imogen West et Stroma Cairns, ont coécrit le scénario ensemble. West produit, Cairns signe là son premier long métrage. Et le personnage premier, Jonah, est incarné par Jonah West lui-même, le fils et le frère du duo, accompagné de son véritable optimal ami, Stanley Brock. Fiction narrative, oui, mais traversée d'une sincérité qui ne se fabrique pas.

Un portrait brut de la masculinité en construction

Jonah commence le film dans un état de désordre intérieur total. Il fait la fête, cherche des drogues, enchaîne les connexions vides. Il ne sait pas nettoyer sa chambre, encore moins exprimer sa douleur. Derrière cette agitation permanente se cache un deuil : la perte de son père, une absence qu'il partage avec quasiment tous les jeunes hommes du film. Lee, son ami, supporte de moins en moins cette fuite en avant.

Ce qui est passionnant, c'est la trajectoire que le film trace pour Jonah. La masculinité qu'il cherche ne passe pas par la domination ou la virilité performative, mais par la loyauté, la protection et le courage de se montrer vraiment. Deux scènes illustrent ce basculement de façon frappante :

• Ses deux visites à sa immense-tante en maison de retraite : la première centrée sur lui-même, la seconde tournée vers elle, attentive, presque tendre.
• Sa relation avec Sandy, un gamin local sans père : d'abord agacé par lui, Jonah finit par le défendre, puis le secourir physiquement quand il est blessé.

La scène la plus marquante reste celle de la prière à l'hôpital. Jonah, épuisé, s'agenouille avec ses amis et présente ses excuses à Lee pour avoir été, selon ses propres mots, "un vrai con". C'est le moment où il est le plus vulnérable et, paradoxalement, le plus fort. Une référence biblique discrète mais assumée, qui éclaire autrement le prénom du personnage.

Mise en scène intimiste et bande-son au service des émotions

Stroma Cairns fait un choix de cadrage très personnel : de nombreux gros plans sur le visage de Jonah, sans dialogue, laissent deviner les pensées qui s'y bousculent. Cette proximité crée un sentiment étrange de familiarité avec le personnage. On a l'impression de le connaître vraiment après 90 minutes.

La bande-son mérite qu'on s'y attarde. Là où les mots manquent, la musique prend le relais avec une précision remarquable. Nervosité, espoir, apaisement : chaque transition émotionnelle trouve son écho sonore. Franchement, peu de premiers films atteignent cette cohérence formelle.

La dernière image reste : Jonah court à côté de la voiture de Charlie, souriant, jouant, libre. Il n'a pas tout résolu. Mais quelque chose s'est dénoué. Ce film, écrit par une mère et une sœur pour raconter l'homme qu'elles aiment, offre une perspective étonnamment juste sur la masculinité, bien loin des clichés habituels. Pour aller plus loin sur les figures masculines qui marquent 2026, lisez aussi Brad Pitt et la montre phare de 2026.